YAYOI KUSAMA

(N. 1929)

Sans titre
1963

Footnotes

Cette œuvre est enregistrée dans les archives Yayoi Kusama Inc, Tokyo ; la carte d'enregistrement sera remise à l'acquéreur.

Provenance
KCET Public Television, Vente Caritative, Los Angeles, circa 1975
Collection particulière, Etats-Unis
Vente : Sotheby's, New York, Contemporary Art Day Sale, 14 novembre 2012, lot 238
Collection particulière, Europe (acquis lors de cette vente)
Acquis auprès de celle-ci par le propriétaire actuel

Exposition
Angers, Musée des Beaux-Arts, Collectionner, Le désir inachevé, 18 novembre 2017 - 18 mars 2018, vol. 1, p. 37, listé



Entre vertige et émerveillement, l'art de Yayoi Kusama pullule de formes assourdissantes, comme autant de cathédrales hallucinées, dessinant en elle l'étrange éclatant à ses pieds. Le fragile réel s'échoue à chaque fois sous l'embrasement de ses flamboyantes visions, faisant de ses sophismes sculpturaux des jardins enivrants. Enchaînée à son rêve, Yayoi Kusama est cet artiste total pour qui le monde ouvrit ses vastes perspectives, pleines de clartés nouvelles. Le Japon des années 1930 ne seyait guère à cet enfant dont les élans de l'imaginaire se ne soumettaient pas aux vestiges d'une société patriarcale rigide. Restée fidèle au destin que l'artiste sentait en elle, c'est avec une détermination enfantine qu'elle se cachait pour créer, en emportant son matériel dans les champs et pépinières parentaux ou bien dans l'usine de textiles militaires Kureha, où, comme tout enfant de son âge, elle fut mobilisée pour confectionner des parachutes et des uniformes, le Japon étant entré en guerre suite à l'attaque de Pearl Harbor en 1941.
Catharsis de ces lourdes ténèbres qui la hantent depuis l'âge de dix ans, l'art de Kusama est psychosomatique, poétique et politique. Malgré son cerveau en proie aux flammes, l'artiste choisit d'embrasser ces visions (myriades de pois et de fleurs qui surgissent douloureusement malgré elle) qu'elle féconde en tableaux ou en poèmes tri-dimensionnels. Découverte jeune, elle présente ses créations dès l'âge de seize ans lors de l'exposition des Arts Régionaux de Zen-Sinshû en 1945 et 1946. Contre l'aval parental, Yayoi Kusama part étudier à Kyoto, mais c'est d'Occident dont elle rêve, en peintre autodidacte.

En mars 1952, l'artiste organise sa première exposition à Matsumoto puis à Kyoto, dont le succès sera son passeport pour les Etats-Unis où elle restera de 1957 à 1973. Son rêve new-yorkais voit le jour grâce au soutien de Georgia O' Keeffe avec laquelle la jeune Japonaise entretient une correspondance épistolaire, comme un passage de témoin. A peine ses valises sont-elles posées qu'elle expose ses Infinity Net Paintings à la Brata Gallery en 1959, auprès de Joseph Cornell, Jasper Johns, Yves Klein, Piero Manzoni, Claes Oldenburg et Andy Warhol. Sa personnalité subversive et disloquée la font remarquer par Donald Judd, artiste et critique, qui saisit immédiatement combien l'art, pour elle, est une nécessité vitale.

En 1960, elle lance son Manifeste de l'Oblitération, déclarant « ma vie est un pois parmi des milliers d'autres pois ». Ce motif, issu d'une déflagration anxiogène, sous sa main se meut en une réalité sensorielle, entre galaxie et bactérie. Véritable obsession cellulaire, le pois, de même qu'il est l'incarnation de son art, deviendra une icône planétaire.

Donjons de son univers, ces formes, à l'urgence sérielle, l'apaisent – le temps de création durant – de ses rives obscures, où du monde n'arrivent que la douleur et l'enfermement. C'est à l'époque où elle est installée dans un petit appartement sous le studio de Donald Judd, que son art s'étend à la sculpture qui dévoile des accumulations de protubérances molles, recouvertes de tissus. L'œuvre historique, d'envergure muséale, que nous présentons, créée en 1963, est issue de ses « soft sculptures » qui dévoilent des formes phalliques apposées sur un meuble émanant d'un univers caricaturalement féminin (ici une desserte) révélant l'aversion de la femme qu'elle est pour les organes sexuels masculins. Ainsi moqués, cachés, démultipliés, ceux-ci perdent tout pouvoir, toute domination. La suture kusamienne, comme un geste mécanique, procède ici d'une réparation psychique.

Tentaculaire, organique et orgiaque, son art accède à une reconnaissance internationale lorsqu'elle présente, en 1964, One Thousand Boats Show à la galerie Gertrude Stein où s'agglutine son obsession des objets aux phallus entremêlés (bateau, vidéo, mannequin). Le XXI siècle sera sien, puisque des rétrospectives d'envergure (dont le Centre Pompidou en 2012) lui seront consacrées. Immédiatement reconnaissable, son iconographie pétillante fait de Yayoi Kusama l'artiste vivant la plus connue au monde.

Revenue au Japon en 1973, fatiguée de son lointain exil, Yayoi Kusama oscille entre le calme de l'hôpital où elle s'est fait interner et son atelier situé non loin de là, aux couleurs scintillantes de vie. Comme Mithridate avec les poisons, l'artiste joue avec la démence et le fantastique, offrant à l'assaut de ses ombres la blancheur du soleil, dans un conditionnement où le Temps semble s'être évanoui. En un songe venu du ciel, à mi-chemin entre elle et la vie, son art est un hymne séraphique, entre l'infiniment grand et l'infiniment petit.




Combining a sense of vertigo and wonder, Yayoi Kusama's art is teeming with obstreperous forms, a series of hallucinatory cathedrals, tracing within her the strangeness blooming at her feet. Fragile reality is simply overwhelmed by the flamboyance of her visions; consequently her sculptural sophisms become intoxicating gardens. Chained to her dream, Yayoi Kusama is the absolute artist for whom the world opened up vast perspectives, filled with new illuminations to explore. 1930s Japan was hardly a suitable environment for this child whose imaginative impulses could not bend to the unyielding vestiges of a patriarchal society. Faithful to the destiny she felt within her, with childlike determination, she would hide to create, taking her materials to her parents' fields and plant nurseries or to the Kureha military textile factory, where, like all children her age, she was recruited to make parachutes and uniforms after Japan entered the war following the attack on Pearl Harbor in 1941.
A catharsis for the heavy darkness that has haunted her since the age of ten, Kusama's art is psychosomatic, poetic and political. Despite her brain being engulfed in flames, the artist chooses to embrace her visions—myriads of dots and flowers that painfully spring to mind unwittingly— which she brings to life in paintings or three-dimensional poems. Discovered at a young age, she presented her creations at the age of sixteen at the Zen-Sinshū Regional Arts Exhibition in 1945 and 1946. Against her parents' wishes, Yayoi Kusama left to study in Kyoto, but as would a self-taught painter, she longed for the West.

In March 1952, the artist organised her first exhibition in Matsumoto and then in Kyoto, the ensuing success was her passport to the United States, where she would remain from 1957 to 1973. Her New York dream became true thanks to the support of Georgia O'Keeffe, with whom the young Japanese woman maintained a correspondence, as if passing on the torch. She had barely unpacked when she exhibited her Infinity Net Paintings at the Brata Gallery in 1959, alongside works by Joseph Cornell, Jasper Johns, Yves Klein, Piero Manzoni, Claes Oldenburg and Andy Warhol. Her subversive and dislocated personality caught the attention of artist and critic Donald Judd, who immediately understood how vital art was to her.

In 1960, she launched her Manifesto of Self-Obliteration, declaring 'my life is a polka-dot among thousands of other polka-dots'. A motif spawned by an anxiety-induced explosion, and transformed by her hand into a part galaxy part bacterium sensory reality. A veritable cellular obsession, the polka-dot, as an embodiment of her art, would become a global icon.

Dungeons of her world, these shapes, and their serial urgency, relieve her —for the duration of her creative process —from her dark shores, where the world only has pain and confinement to offer. It was while she lived in a small flat below Donald Judd's studio that her art expanded into sculpture, revealing accumulations of soft protuberances covered with fabric. The historic, museum-scale artwork that we are presenting for sale, created in 1963, is one of these 'soft sculptures', featuring phallic forms affixed to a piece of furniture from a caricatured feminine universe (in this case, a sideboard), revealing the aversion of the woman she is to male sexual organs. Thus mocked, hidden and multiplied, they lose all power and domination. Kusama's suturing, a sort of automatic gesture, is a form of psychological repair.

Tentacle-like, organic and orgiastic, her art gained international recognition when she presented One Thousand Boats Show at the Gertrude Stein Gallery in 1964, where her obsession with objects intertwined with phalluses (boats, videos, and mannequins) commingled. The 21st century would be hers, as major retrospectives (including at the Centre Pompidou in 2012) were dedicated to her. Immediately recognizable, Yayoi Kusama's vibrant iconography makes her the most well-known living artist in the world.

Returning to Japan in 1973, exhausted by her distant exile, Yayoi Kusama since shares her time between the calm of the hospital where she has been admitted and her studio located nearby, with its sparkling lively colours. Like Mithridates with poisons, the artist toys with madness and fantasy, countering the onslaught of her shadows with the luminosity of the sun, in a setting where Time seems to have vanished. In a dream sent by the heavens her art, separating her and life, is a seraphic hymn, from the infinitely large to the infinitely small.