Footnotes

Cette œuvre est enregistrée sous le numéro 44 auprès de l'Associazione Shozo Shimamoto ; un certificat de l'Associazione Shozo Shimamoto sera remis à l'acquéreur.

Provenance
Collection particulière, Italie (acquis directement auprès de l'artiste)
Puis par descendance au propriétaire actuel

Expositions
Trevi, Trevi Flash Art Museum, Size, 2005, p. 20, illustré en couleurs
Naples, Palazzo dello Spagnolo, Fondazione Morra, Shozo Shimamoto. Opere anni '50-'90, 2006
San Giovanni Valdarno, Galleria Pier Giuseppe Carini e Luciano Donatini, Shozo Shimamoto: Action Colors, 1950-2006, 2007, p. 15, illustré en couleurs
Reggio Emilia, Palazzo Magnani, Shozo Shimamoto : Opere 1950 / 2011, Oriente e Occidente, 25 septembre 2011 - 8 janvier 2012, p. 59, illustré en couleurs
Milan, Studio Giangaleazzo Visconti, Shozo Shimamoto, 2013, p. 27, illustré en couleurs
Londres, Bonhams, Surfaces Exhibition, 22 - 27 juin 2019, p. 11 & p. 75, illustré en couleurs

Entre déflagration et abstraction, l'art de Shozo Shimamoto est l'incarnation vibrante de l'esprit Gutaï. Véritable renouveau de l'art japonais, ce mouvement où le geste, le corps et la matière priment, aura une influence déterminante dans la sphère artistique internationale (des copies de la deuxième et troisième revue, au nom éponyme, furent retrouvées dans le studio de Jackson Pollock).
C'est auprès du fondateur et théoricien Jirô Yoshihara que l'artiste apprend à libérer les couleurs du pinceau, Gu signifiant instrument et Tai outil (ici le corps). « La couleur sans la matière n'existe pas. La beauté de la matière doit survivre à la contrainte du pinceau. Ce n'est qu'au travers des fissures, les érosions ou les changements inattendus de couleurs qu'il est possible de découvrir la beauté intérieure des substances colorantes » écrit Shimamoto dans un texte programmatique qu'il rédige en 1957. D'une beauté tellurique, la poésie de son geste, des années 1950 jusqu'à ses sublimes performances des années 2000, exorcise la partialité du réel pour n'extraire que l'organique, hic et nunc.
Ces trois œuvres extraordinaires, d'une provenance virginale, mettent en lumière le credo artistique et humain de l'artiste qui séduisirent Michel Tapié et Rodolphe Stadler. Créées dans une temporalité et des espaces différents, offrent une compréhension lumineuse quant à son processus créatif unique.
Rarissime, l'œuvre de 1950 annonce Gutaï avant Gutaï, tandis que Uzumaki de 1965 (crée avec un entonnoir) nous invite à la vérité de l'instant : seule compte la matière chromatique advenue par le hasard, convoqué par le peintre dans une ostentation votive.
Comme un nomade à laquelle nulle frontière ne résiste, Shimamoto a dépouillé l'art de tout ce qui ne lui était pas essentiel. Dans l'immensité de cette quête, où la corporéité s'asservit à la matière, seul ce qui est profondément humain reste : la trace et la voix de son âme.


At once explosion and abstraction, Shozo Shimamoto's art is the vibrant embodiment of the Gutai spirit. A radical shift in Japanese artistic expression, this movement—in which gesture, body and matter take precedence— was to have a decisive influence on the international art world (copies of the eponymous second and third publications were found in Jackson Pollock's studio).
It was with the movement's founder and theoretician, Jirô Yoshihara, that the artist learned how to liberate colour from the brush, Gu meaning instrument and Tai tool (in this case, the body). "Colour without matter does not exist. The beauty of matter must resist the constraint of the brush. It is only thanks to eventual cracks, erosions or unexpected pigment changes that one may discover the inner beauty of coloured substances", writes Shimamoto in a programmatic text he wrote in 1957. With its telluric beauty, the poetry of his gestural works, from the 1950s to his sublime performances of the 2000s, exorcises the partiality of reality to extract only the organic, hic et nunc.
Of pristine provenance, these three works highlights Shozo Shimamoto's artistic and human credo which appealed to Michel Tapié and Rodolphe Stadler. The association of these works, created in different times and spaces, offers an illuminating insight into his singular creative process.
Extremely rare, the 1950 anticipates Gutaï before Gutaï, while Uzumaki from 1965 (created with a funnel) invites us to experience the moment, the essence of which is the chromatic matter thus randomly exposed, summoned by the painter with votive ostentation.
Like a nomad to whom no frontier resists, Shimamoto has stripped art of all that is not essential to him. Within the vastness of his quest, where physicality is constrained by matter, only the profoundly human remains: the trace and voice of his soul.